1.-ESTILOS
PRECLÁSICOS.
PANORAMA HISTÓRICO DEL SIGLO XVIII. LA “ERA DE LA RAZÓN”.
Según muchos
historiadores, los límites de la Ilustración han alcanzado la mayor parte
del siglo XVII, aunque otros prefieren llamar a esta época la
Era de la Razón. Ambos períodos se encuentran en cualquier caso, unidos y
emparentados, e incluso es igualmente aceptable hablar de ambos períodos como
de uno solo.
A lo largo
del siglo
XVI y siglo XVII , Europa se encontraba envuelta en guerras de religión. Cuando la situación política
se estabilizó tras la Paz de Westfalia (acuerdo entre católicos y protestantes, 1648)
y el final de la guerra civil en Inglaterra, existía un ambiente de agitación
que tendía a centrar las nociones de fe y misticismo en las revelaciones
"divinas", captadas de forma individual como la fuente principal de
conocimiento y sabiduría (Iluminismo). En lugar de esto, la Era de
la Razón trató entonces de establecer una filosofía basada en el axioma y el
absolutismo como bases para el conocimiento y la estabilidad.
Este objetivo de la Era de
la Razón, que estaba construido sobre axiomas, alcanzó su madurez con
la Ética de Baruch Spinoza, que exponía una visión panteísta del universo donde Dios y la Naturaleza eran uno. Esta idea se
convirtió en el fundamento para la Ilustración, desde Isaac Newton hasta Thomas Jefferson.
Puntos importantes:
1.Figuras prominentes: Voltaire,
Diderot, Montesquie, Rousseau, Adam Smith, Mary Woodstonecraft.
2. Corrientes sociales
importantes: Surguimiento de la clase media
3.-Empiezan los cambios en los roles de las mujeres
en algunas facetas
4.-La base para la revolución francesa: Los déspotas ilustrados
Acabar con la ignorancia. Ése fue
el lema que trajo consigo el movimiento llamado Ilustración.
Nació a finales del siglo XVIII.
Se desarrolló durante toda la Revolución Francesa. Y vivió hasta principios del
siglo XIX.
La sociedad de aquella época vivía
todavía dominada por la superstición. En algunos sitios, aún se juzgaba a la
gente y se la condenaba a muerte acusada falsamente siempre de ser bruja.
Este movimiento nació en
Inglaterra y se extendió principalmente por Francia, por España y por algunos
países de América del Sur, como México.
A lo largo de todo el siglo XVIII,
se llevaron a cabo numerosos experimentos científicos. Fue la época en la que
apareció la máquina de vapor, de Watt. Y se llevaron a cabo los experimentos
eléctricos de Benjamin Franklin, futuro Presidente de Estados Unidos. (Es
famosa la imagen de Franklin volando una cometa en plena tormenta eléctrica).
Tras la Revolución en las colonias
británicas que acabó con la independencia de Estados Unidos en 1776, todo
cambió. La sociedad había aceptado la continuidad del Antiguo Régimen durante
todo el siglo XVIII. Pero parecía que esa continuidad estaba llegando a su fin.
Numerosos miembros de la burguesía, entonces en pleno auge, apoyaron a los
intelectuales de la época.
Se toman las características del
Renacimiento. El centro del Universo es el ser humano. La sociedad se vuelve
más laica. En ocasiones, podría parecer que se ha vuelto anticlerical.
La razón lo mueve todo. Si pasa
algo, hay que buscar un porqué. No hay que decir que es "porque Dios o el
Rey o quien sea" así lo ha querido. Se empieza a criticar lo que hace el
Gobierno. Incluso se critican los juicios por brujería.
Se critica la superstición. Por
ejemplo, no te ha atropellado un carro sólo porque un segundo antes te hayas
cruzado con un gato negro. Te ha atropellado el carro o porque no has cruzado
antes o porque ibas distraído o porque el conductor del carro iba distraído.
Pero no le eches la culpa a un gato.
La escritura...La pintura...Todo
tiene que tener un fin didáctico. Se pretende enseñar y criticar a través de
los libros, la escultura, la pintura y las obras de teatro. "Fray Gerundio
de Campazas" es una obra satírica de este periodo. Se critica a los
predicadores.
Entre los años 1751 y 1765, se
publicó en Francia la "Enciclopedia" de Diderot y D'Alembert. Había
llegado el principio del fin del absolutismo, en opinión de ambos. La sociedad
debía de adquirir cultura. Sólo así se acabaría con los principios del Antiguo
Régimen, basados en los estamentos.
Parecían decididos a llevar el
progreso al mundo. Querían acabar con la época de oscurantismo que dominaba
Europa desde la Edad Media, un oscurantismo presidido por la tiranía de muchos
dirigentes, el miedo y la ignorancia de la población.
Todo lo francés se pone de moda en
esta época. El arte y la lengua francesa ejercen una gran influencia en muchos
países. Hablar francés era un signo de distinción. Aunque podía pecar de
ridículo si no se sabe el idioma.
Montesquieu...Rousseau...Voltaire...Estos
grandes filósofos y pensadores son hijos de la Ilustración. Voltaire y Rousseau
llegaron, incluso, a cuestionar la existencia de la Iglesia y del Estado.
Muchas de estas ideas se vieron
enfrentadas con el Antiguo Régimen, a entender de muchos, durante la Revolución
Francesa. Los Reyes fueron guillotinados. El Antiguo Régimen había pasado a
mejor vida después de eso.
El poder civil sustituye al poder
religioso. Incluso la Iglesia se deja influenciar por los nuevos tiempos.
Algunas Iglesias cuestionan su lealtad al Papa. Aparece el contrato social. El
mismo que impulsará Rousseau.
Una nueva clase social emerge con
fuerza. La burguesía. Pronto, entrará en combate con la aristocracia. La cual
se resistía a perder sus privilegios.
La Ilustración se difundió gracias
a la prensa, a las reuniones en los salones, a la apertura de Academias...
A los ilustrados se les ha
criticado también, no sólo por intentar derribar el Antiguo Régimen. También se
les ha criticado por ser excesivamente idealistas. Sus obras pecaban, a menudo,
de ser demasiado amables cuando la vida no era amable para muchos. Un campesino
cuyas cosechas se habían secado no podía entender las intenciones de un
ilustrado de que no dijese palabrotas por ser demasiado
"vulgar". Le salía del alma insultar y maldecir su mala suerte.
Los ilustrados consiguieron su
objetivo de acabar con el Antiguo Régimen. Fundaron el Estado Moderno. Son los
artífices del Pensamiento Moderno. Sin embargo, sus ideas tardaron largo tiempo
en calar en algunos países. En España, por ejemplo, tras la muerte de Fernando
VII, no desapareció el Antiguo Régimen.
La Ilustración
Movimiento
cultural europeo que se desarrolló –especialmente en Francia e Inglaterra–
desde
principios
del siglo XVIII hasta el inicio de la Revolución francesa, aunque en algunos
países se
prolongó
durante los primeros años del siglo XIX. Fue denominado así por su
declarada
finalidad
de disipar las tinieblas de la humanidad mediante las luces de la razón. El
siglo XVIII
es
conocido, por este motivo, como el Siglo de las Luces.
Los
pensadores de la Ilustración sostenían que la razón humana podía combatir la
ignorancia, la
superstición
y la tiranía, y construir un mundo mejor. La Ilustración tuvo una gran
influencia en
aspectos
económicos, políticos y sociales de la época. La expresión estética de este
movimiento
intelectual
se denominará Neoclasicismo.
Definición
La
Ilustración (Lumières, en francés; Enlightenment, en inglés; Illuminismo, en
italiano;
Aufklärung,
en alemán), en frase de uno de sus más importantes representantes, D'Alembert,
lo
discutió,
analizó y agitó todo, desde las ciencias profanas a los fundamentos de la
revelación,
desde la
metafísica a las materias del gusto, desde la música hasta la moral, desde las
disputas
escolásticas
de los teólogos hasta los objetos del comercio, desde los derechos de los
príncipes a
los de
los pueblos, desde la ley natural hasta las leyes arbitrarias de las naciones,
en una palabra,
desde
las cuestiones que más nos atañen a las que nos interesan más débilmente. Esto
mismo
nos
indica que, más que el contenido mismo de sus doctrinas, lo original del
movimiento fue la
forma de
pensamiento.
El término Ilustración se refiere específicamente a un movimiento intelectual histórico. Existen
precedentes
de la Ilustración en Inglaterra y Escocia a finales del siglo XVII, pero el
movimiento
se
considera originalmente francés. La Ilustración tuvo también una expresión
estética,
denominada
Neoclasicismo. Desde Francia, donde madura, se extendió por toda Europa y
América y renovó especialmente las ciencias, la filosofía,la política y la sociedad;
sus aportes
han sido
más discutidos en el terreno de las Artes y la Literatura.
LA REVOLUCIÓN FRANCESA
Aunque convertida en una primera potencia
europea, a fines del s. XVI la monarquía francesa vivía una situación económica
de bancarrota. Los ministros intentaron modificar las leyes para poder recaudar
más impuestos, pero la oposición forzó la convocatoria de los estados
generales, es decir, de los representantes de la nobleza, el clero y la
burguesía que marcaron el inicio de la Revolución francesa y la liquidación de
las estructuras del Antiguo régimen.
El período revolucionario (1789-1799) pasó por
diversas etapas. La primera, de carácter moderado, estuvo marcada por la
constitución de 1791 y el gobierno de los girondinos. La segunda, mucho más
radical, por el gobierno del Terror impuesto por los jacobinos. La tercera,
bajo el gobierno del Directorio, significó el retorno a la moderación, alterada
por continuos golpes de estado; el último de ellos fue propiciado por el propio
Directorio y entregó el poder a Napoleón Bonaparte.
Las causas más influyentes fueron:
1.-La incapacidad de las clases gobernantes (nobleza, clero y burguesía)
para hacer frente a los problemas de Estado
2.- La indecisión de la monarquía
3.-Los excesivos impuestos que recaían sobre el campesinado
4.-El empobrecimiento de los trabajadores.
5.-La agitación intelectual alentada por el Siglo de las Luces
6.-El ejemplo de la guerra de la Independencia estadounidense
Más de un siglo antes de que Luis XVI ascendiera al trono (1774), el
Estado francés había sufrido periódicas crisis económicas motivadas por:
* Largas guerras emprendidas durante el reinado de Luis XIV
* Mala administración de los asuntos nacionales en el reinado de Luis XV
* Las cuantiosas pérdidas que acarreó la Guerra Francesa e India
(1754-1763)
El final del
siglo XVIII fue una época de trastornos en muchas partes de hemisferio
occidental, trastornos que se pueden atribuir, directa o indirectamente, al
fermento de las ideas conocidas como la ilustración. Estas ideas, reflejo
de las necesidades y tensiones de una sociedad cambiante se basan en el
nuevo conocimiento científico del siglo XVII, que engendró una nueva
fe en la razón y en el progreso. por un lado, esto llevó a un rechazo de
la autoridad y a una afirmación de
los Derechos del Hombre, expresados en la famosa declaración
de Rousseau de que el hombre nace libre, pero en todas
partes está encadenado. Por otro lado, las nuevas ideas fueron una
inspiración para los monarcas, que , alternar el siglo XVII, empezaron
a concentrar el poder en sus propias manos y a gobernar mediante agentes
burocráticos nombrados por ellos. Sin embargo, estas actividades
centralizadoras encontraron resistencia en todos aquellos que
tenían intereses creados en el Antiguo régimen, Iglesias, gremios y
corporaciones y, sobre todo, la aristocracia. Sus líderes recurrieron a
las teorías de Montesquieu y Burke para demostrar que la
sociedad era una forma orgánica y que sus agrupaciones tradicionales no sólo
conferían derechos inalienables a sus miembros sino que producían
un equilibrio de poder que resguarda los individuos de la tiranía.
Esto junto al deseo de autonomía de la provincias dio origen al descontento.
Quedó muy claro entonces que el fermento no se detendría ahí.
Era más
probable que ocurriera una rebelión en las regiones en que la aristocracia
podía contar con el apoyo de los campesinos; pero
en Europa Oriental estos últimos aún eran ciervos, y era poco
probable que se revelaran para apoyar a los terratenientes que eran sus opresores
directos. Sin embargo, a los campesinos también les desagradaban las
innovaciones y a veces luchaban tenaz mente por conservar su forma de vida
tradicional.
Las
revoluciones aparecieron por primera vez en gran escala en las
colonias inglesas de América. Recurriendo a la filosofía de
Locke sobre el derecho natural, los colonizadores se negaron a pagar
un impuesto establecido por el parlamento en Londres, en el que no
estaban representados. Para 1775 la disputa había llegado a una guerra declarada.
Los hombres moderados que habrían mantenido la antigua estructura de
la sociedad fueron sustituidos por otros con objetivos más
democráticos y la guerra por
la independencia nacional ganó apoyo en todos los estratos
sociales. El ejemplo norteamericano fue una inspiración para los rebeldes de
los países bajos, así como en Francia, cuyas tropas habían peleado en
el lado norteamericano en la guerra.
La Revolución
Francesa se encuadra dentro del ciclo de transformaciones políticas y
económicas que marcaron el fin de la Edad Moderna y el
comienzo de la Edad Contemporánea. La independencia de EEUU y
el desarrollo de la Revolución Industrial, iniciada en la Gran
Bretaña, son los otros dos grandes procesos que señalan esta
transición histórica.
El proceso revolucionarios
francés es, sin duda, el más importante dentro del agitado panorama político
del siglo XVIII. Es, además, uno de los más polémicos. La historio grafía se ha
preocupado constantemente de él y son muchos los escritos y
los libros que presentan la revolución francesa como una gran gesta
o, por el contrario, un acontecimiento perjudicial y hasta innecesario para
Francia y la cultura occidental.
Es difícil
tratar de sacar a la luz los motivos que nos llevan a esta pasión por
el tema. Muchos son los factores que se amontonan en torno a Francia
y a la revolución, presentándola como un tema apasionante y tremenda
mente complejo.
En este
trabajo trataremos de explicar y enumerar lo mejor posible las
causas y los principales hechos de este proceso que trascendental en la
historia de la humanidad.
LA VIDA POLÍTICA
La
organización política de Francia, hacia 1789, era monárquica. El rey
pretendía que su poder derivaba de Dios, a quien únicamente debía cuenta de sus
actos. Sus súbditos no tenían ningún derecho, pero sí el deber de obedecer.
El rey
declaraba la guerra y hacía la paz; comandaba los ejércitos; determinaba
los gastos y fijaba los impuestos; nombraba y
destituía a los funcionarios y dirigía la administración entera. Las
provincias eran administradas por los intendentes, con poder omnímodo y
arbitrario.
El rey hacía
las leyes, que eran la expresión de su voluntad personal, pues si bien debía
tener en cuenta las "costumbres fundamentales del reino", tales
costumbres eran contradictorias y vagas, y hubiera sido difícil definirlas
claramente. Además, el rey dirigía la administración de justicia,
pues esta se dictaba en su nombre y por funcionarios que el designaba. Se usaba
el tormento para lograr la confesión de los acusados, a quienes se juzgaba en
secreto y a los que se aplicaban las penas bárbaras de las
marcas con hierros candentes, de la picota, del látigo y de la
horca.
La
libertad individual estaba amenazada constantemente por la policía, que
podía aprender a cualquiera con una simple orden del rey, la
"carta sellada". No se daba la causa de la detención porque
"tal era la voluntad del rey".
Existía la
censura previa y no existía la libertad de consciencia.
LA VIDA SOCIAL
En la
sociedad francesa se distinguían tres estados o clases:
1) El
clero: era la primera de las clases sociales privilegiadas. Conservaba un gran
prestigio e influencia. Además recibía los diezmos de los fieles, poseían
extensas propiedades, que abarcaban la cuarta parte de la superficie de
Francia, y como si fuera poco, no pagaban impuestos.
2) La
nobleza: esta era la segunda clase privilegiada formada por un número de
personas análogo al del clero, que poseían tierras de parecida importancia y
extensión. Percibían de los campesinos, que vivían en sus tierras, los antiguos
derechos feudales, y sólo pagaban impuestos en casos especiales.
3) En El
Tercer Estado se distinguían distintas categorías, alguna de las cuales
había logrado privilegios. La capa superior del estado llano era la burguesía;
la inferior, los obreros y campesinos. Estos últimos soportaban pesadas cargas
que, en la generalidad de los casos, les privaban de las cuatro quintas partes
del fruto de su trabajo. Debían pagar los impuestos al estado, el diezmo a
la iglesia y los derechos feudales al señor.
LA VIDA ECONÓMICA
La
industria estaba entorpecida con excesivas reglamentaciones e impuestos.
Existían aduanas internas; las pesas y medidas variaban según
las regiones; algunos artículos, como los cereales, debían consumirse en el
lugar de producción; se aplicaban derechos de aduana que en muchos casos
anulaban el intercambio.
CAUSAS Y ASPECTOS BÁSICOS:
La revolución
francesa abarca un período de 10 años (1789-1799), durante los cuales se
establecieron en toda Europa nuevas formas de organización política, social y
económica, surgieron nuevos usos y costumbres y triunfaron nuevos modos
del pensamiento y nuevas tendencias espirituales.
Las causas
substanciales de la revolución francesa fueron en primer término la
arbitrariedades y abusos del antiguo régimen, ya mencionadas, y en segundo
lugar la acción de los filósofos y enciclopedistas.
Las causas
ocasionales de la revolución francesa fueron la debilidad
de carácter del nuevo rey Luis XVI y la grave
crisis financiera.
La Revolución
también desempeñó un importante papel en el campo de la religión. Los
principios de la libertad de culto y la libertad de expresión tal y como
fueron enunciados en la Declaración de Derechos del hombre y del ciudadano,
pese a no aplicarse en todo momento en el periodo revolucionario, condujeron a la
concesión de la libertad de conciencia y de derechos civiles para
los protestantes y los judíos. La Revolución inició el camino hacia la
separación de la Iglesia y el Estado.
Los ideales
revolucionarios pasaron a integrar la plataforma de las reformas liberales de
Francia y Europa en el siglo XIX, así como sirvieron de motor ideológico a
las naciones latinoamericanas independizadas en ese mismo siglo, y continúan
siendo hoy las claves de la democracia. No obstante, los historiadores
revisionistas atribuyen a la Revolución unos resultados
menos encomendables tales como la aparición del Estado centralizado
(en ocasiones totalitario) y los conflictos violentos que
desencadenó.
LA VIDA MUSICAL.
CONCIERTOS PÚBLICOS.
Desde el punto de vista musical, el Setecientos representa un momento
importante tanto por la excepcional personalidad de sus compositores- Vivaldi,
Teleman, Bach, Haendel, Hayden, Mozart..
...- como por los
desarrollos habidos en la instrumentación y la composición: aparece el
clavicordio y se perfecciona el piano; la creación musical se diversifica al
nacer formas nuevas -ópera cómica, concierto, sinfonía...- y se consolidan las
estructuras clásicas que hoy conocemos. Pero aún hay más. Junto a estas
aportaciones específicas, la centuria protagoniza otro cambio de gran
trascendencia para el futuro. Lo mismo que sucede con la pintura o la
literatura, la música se convierte en un potencial cultural consientenmente
aceptado. Su conocimiento se hace signo externo de educación desarrollada; su
audición sale de la esfera privada del palacio, la iglesia, la casa noble, o
del tiempo concreto de las fiestas populares para hacerse pública, doméstica.
Los gobernantes construyen grandes teatros para oírla. Realmente, lo que el
siglo XVIII hace en este terreno es, una vez más, consolidar algo que se había
iniciado en el anterior. Las primeras ejecuciones musicales con carácter
público fueron las representaciones operísticas que tienen lugar en Italia e
Inglaterra a comienzos del Seiscientos. Más tarde vendrán, a partir de los años
setenta, los conciertos. Los ingleses los inauguran con los ofrecidos por el
primer violinista real en 1672, mas será en Alemania donde sus audiciones
adopten la forma actual a partir de los cinco conciertos nocturnos de música
sacra programados en Lubeck para la Navidad de 1673. En Francia la primera
representación pública corresponde a la ópera con que se inaugura la academia
del mismo nombre (1671). Por el contrario, Austria se mostrará renuente a ello
hasta 1772.
El aumento del interés social por la música hará que poetas y escritores
contribuyan a su creación, al tiempo que estimula la crítica periodística,
dirigida al hombre de la calle, y la especializada. La primera nace en
Inglaterra, teniendo como fiel exponente los artículos de en The Spectator, a
los que siguen, desde mediados de siglo, los aparecidos en publicaciones
francesas, tal es el Mercure de France. En cuanto a la segunda, dará origen a
la aparición de revistas musicales, al modo de la Crítica música que el alemán
Mattheson publica de 1722 a 1725. Asimismo, el espíritu del siglo fomenta el
interés por explicar teóricamente la música, terreno en el que destacan
franceses y alemanes. Desde el punto de vista erudito, el tratamiento dado
oscila entre lo científico y lo filosófico. El primero, cuyo origen podemos
remontarlo a Pitágoras, cuenta en nuestro siglo con la figura de Rameau (1683-1764)
cuyo Tratado de la, armonía reducida a sus principios naturales (1722) intenta
hallar un sistema armónico simple y completo. La perspectiva filosófica alumbra
desde las generalizaciones de Kircher que relaciona los cinco humores (melancólico,
sanguíneo, colérico, marcial, flemático) con la música de tipo parecido, a
clasificaciones detalladas como la de Mattheson.
Estilísticamente hablando, la evolución musical difiere de la
experimentada por otras artes en dos puntos. Primero, la perduración del período
Barroco, momento de claro predominio italiano, hasta 1760. El resto de la
centuria lo ocupan un estilo
galante, o rococó, de efímera duración, que acabará
desembocando en el clasicismo. La tierra del pentagrama es ahora Alemania. La
segunda diferencia la encontramos en el influjo que produce la
Ilustración. El culto al racionalismo se troca en este caso por el objetivo de
despertar sentimientos, transmitir emociones, aunque eso sí, cumpliendo siempre
la norma de la música.
ESTILOS
PRECLÁSICOS: GALANTE, EMPFINDSAMER STILL Y STURM UND DRANG.
GALANTE
CARACTERISTICAS:
Un uso decreciente de las texturas polifónicas
- El
incremento de la importancia de la melodía
- El
empleo de frases musicales de longitud regular
- Un
vocabulario armónico reducido que enfatiza en la tónica y la dominante
- Una
menor fuerza para la línea del bajo.
Compositores de los que al menos algunas de sus obras pueden ser
consideradas galantes son François Couperin, Jean-Philippe Rameau y Jean-Féry Rebel en Francia, Giovanni Battista Sammartini, Baldassare Galuppi en Italia, los tres hijos más importantes
de Johann Sebastian Bach (Carl Philipp Emanuel, Johann Christian y Wilhelm Friedemann), Georg Philipp Telemann solo algunas obras
escasas de finales de su vida, y Johann Gottlieb Graun en Alemania, y en Inglaterra Thomas Augustine Arne, William Boyce, y John Stanley.
EMPFINDSAMER STILL
En alemán significa “estilo expresivo” y
caracterizaba la música instrumental de mediados del siglo XVIII. Este estilo
es reconocido por la enorme libertad y el capricho de su armonía, melodía y
ritmo, que aún denota el estilo galante del rococó. También lo marcan los
contrastes de atmósfera que anuncia el romanticismo del siglo posterior y que
utilizó la sorpresa con modulaciones extrañas, melodías desconcertantes,
silencios prolongados y cambios bruscos de textura de manera frecuente.
Osea que en el barroco practicamente las voces
menores (lo que toca la mano izquierda en un piano, las notas graves), estaban
solo en el papel de acompañamiento de lo que toca la mano derecha (notas más
agudas) que era la línea melódica. Esto se denominó bajo continuo, lo que hacia
que esta música barroca se llamara MONOTEMATISMO que quiere decir que hay un
solo tema o melodia y el acompañamiento de ese bajo continuo.
STURM UND DRANG
Sturm und Drang (en alemán: tormenta e ímpetu) fue un movimiento alemán
principalmente literario, pero también musical y de las artes visuales,
desarrollado
durante la segunda mitad del siglo XVIII, entre 1770 y 1780.
Características:
La mayoría de la música asociada con el Sturm und Drang está escrita en
una tonalidad menor. De esta forma, se le transmite al
espectador la sensación de un sentimiento difícil o deprimente.
El tempo y la dinámica cambian bruscamente y con mucha frecuencia con el
propósito de reflejar fuertes cambios en la emoción.
También son comunes las síncopas, los registros altos y el trémolo (en
los puntos de énfasis)
• Tono expresivo severo
• Letra grave
• Pulso más rápido (Algunas sinfonías de Haydn)• Excitación (Cuarta sinfonía op. 12, Boccherini)
• Apasionada gravedad
• Actitud
agresiva
ESTILO GALANTE
El estilo Galante se desarrolla
entre 1750 y 1775, centrado en Alemania y Europa central, en la vida de las
cortes que tienen poco contacto con Italia. Se caracteriza por una tendencia al
divertimento, falta de color dramático, tono amable y ligero y aspecto
ceremonioso.
Muchos
compositores se destacaron en la técnica del estilo Galante( apreciado por los
burgueses de las ciudades y la nobleza de las cortes de pequeña y mediana
importancia). En el caso del ya nombrado Carl Phillipp Emanuel Bach y su
hermano Johann Christian Bach.
ESTRUCTURA FORMAL DE LA SONATA PRECLÁSICA.
LA SONATA PRE-CLÁSICA
Origen y evolución de la forma sonata
En un principio, el término “sonata” se usaba
para designar una obra destinada al violín, u otros instrumentos de cuerda, y diferenciarla
así de otras piezas como la “toccata” (obra para
instrumento de teclado) o la “cantata” (obra
para la voz).
Por tanto, no hacía referencia término sonata
a una forma musical concreta, sino a los instrumentos que debían de ejecutar la
composición (instrumentos de cuerda,
principalmente). Esta distinción de carácter
etimológico fue desapareciendo, y la palabra sonata se utilizaba junto con la palabra suite
para designar obras de caracteres similares.
Con el tiempo, suite y sonata fueron tomando
distinto significado, de modo que se elegía la palabra sonata para nombrar una obra cuya
única diferencia con la suite era un menor número de piezas, y la sustitución de la nomenclatura
de las danzas por el título del movimiento específico de cada tiempo: Allegro en lugar de
Alemanda, Adagio en vez de Zarabanda, y
Vivace o Presto en lugar de Giga.
Las diferencias entre la suite y la sonata
fueron aumentando hasta separarse por completo ambos términos. Entre las diferencias que
aumentaron progresivamente cabe citar:
- Sustitución del estilo de escritura, más
bien polifónico en la suite, por el denominado “estilo galante” (una melodía única sustentada
con un acompañamiento basado en acordes disueltos o bajo de Alberti).
- Progresiva sustitución de la forma binaria
simple por la forma ternaria.
- Libertad para escribir las piezas de una
sonata en distintos tonos, al contrario de lo que ocurría en la suite, donde el tono principal
de cada danza era siempre el mismo. En el siglo XVII es típica la sonata a trío -sonata a tre-, compuesta
para dos violines y bajo
continuo (viola de gamba o cello) que era
doblado a veces por un instrumento de teclado. Esta sonata se basaba al igual que la suite en un
solo tema. La mayor parte de sonatas a trío
constan de cuatro tiempos, siguiendo el
esquema lento-rápido-lento-rápido, si bien el primer tiempo lento se fue suprimiendo. La mayor
parte de los movimientos de la sonata a trío se ajustaban a la forma binaria de la
suite.
El primer tiempo, sobre todo, experimenta
cambios en su estructura al tomar importancia el concepto de reexposición, por lo que adquiere
una estructura ternaria. Uno de los primeros compositores que utilizaron
esta estructura fue Angelo Corelli, al que siguieron otros maestros
italianos. En Alemania, J. S. Bach y Haendel
tomaban esta forma como base de la mayoría de sus sonatas. El esquema ternario de la
estructura era:
Exposición, parte media a modo de desarrollo y
reexposición.
Por otra parte, en la primera mitad del siglo
XVIII, los compositores resaltaban los motivos melódicos que aparecen una
vez se ha establecido la modulación a la dominante o al relativo que
precede a la barra de repetición de la primera sección de la obra (motivos
independientes de los motivos temáticos básicos), reexponiéndolos en la segunda
sección de la obra en el mismo lugar, pero esta vez en el tono principal.
Estos motivos melódicos o diseños de tipo secundario son el origen de lo
que más tarde será el segundo tema de la sonata clásica.
FORMA SONATA
El nacimiento de la forma sonata, forma
clásica por excelencia que invadió todos
los géneros instrumentales y vocales, es el resultado de combinar las
necesidades de estructura y las necesidades de expresión dramática ( las
expresión del movimiento dramático en lugar de la expresión estática que
predominó en el barroco) que preocupaban a los compositores pre-clasicismo.
Después de la muerte de J. Sebastian Bach la
música Europea tomó dos caminos diferentes. La expresividad galante y, por otro
lado el gusto por el equilibrio y la simetría rococó. En ambos casos se
intentó conjugar la continuidad música barroca con nuevo estilo de motivos
breves y articulados, sin conseguirlo. Por esta razón se consideraba
a la etapa entre 1750 y 1780 inferior musicalmente hablando a lo interior y a
la que le iba a seguir.
De la suite a la sonata pre- clásica
Una de las formas que los compositores encontraron
de conjugar su gusto por la estructura y por la expresión de movimiento
dramático fue romper la simetría para luego restablecerla.
Algunas formas simétricas barrocas cómo
el área da capo no lo permitían y fueron cayendo en desuso
. Pero la forma suite sí que lo permitía, y fue la forma de la cual se gestó
el nacimiento de la sonata.
El esquema de la sonata binaria(paso
intermedio entre la forma de danza de la suite barroca y la forma de sonata
ternaria clásica) es mas o menos(con frecuentes variaciones):
En la primer sección encontramos:
1.- Zona expositiva en tónica.
2.-
Puente modulante
3.- Zona
cadecial en dominante o relativo.
En la
segunda sección encontramos:
1.-Zona
expositiva en la segunda tonalidad.
2.-Desarrollo
3.-Zona
cadencial en la tónica principal.
La pauta tonal de la mayoría de las
notas pre-clásicas, cómo hemos visto, va poco más allá de la forma de danza del
alto barroco: Tónica-Dominante // Dominante-Tónica. La vuelta a la tónica rara
vez viene marcada por una cadencia importante: la cadencia mas fuerte, sobre la
tónica, se reserva para el final. La segunda parte no obstante, contiene ya
gran parte de lo que luego será el desarrollo y la recapitulación en tónica,
pero en ausencia de que una cadencia las separe.
DOMÉNICO SCARLATTI.
Giuseppe Domenico Scarlatti (Nápoles, 26 de octubre de 1685 - Madrid, 23 de julio de 1757) fue un compositor italiano de música barroca afincado en España, donde compuso casi todas sus sonatas para clavicémbalo, por las que es universalmente reconocido.
Entre los
muchos logros del estilo de Scarlatti destacan los siguientes:
- Scarlatti
estuvo muy influido por la música folclórica española. Su uso del modo frigio y
otras inflexiones tonales más o menos desacostumbradas en la técnica
musical europea son síntomas de esta influencia, así como el cúmulo de
acordes extremadamente disonantes y otras técnicas que parece imitan
la guitarra. Su rico uso, a veces trágico, de modismos
folclóricos también le singulariza. Hasta la llegada de Bártok y sus contemporáneos no se le daría a la
música folclórica una voz tan estridente como Scarlatti.
- Scarlatti
anticipó muchos de los desarrollos formales que conducen al llamado "estilo clásico" y así, con justificación, se le
podría describir como el primer compositor clásico.
- Sin
embargo, siempre difícil de definir, la tempestuosidad musical de
Scarlatti evoca el Romanticismo, mientras que su intensa inquietud formal
y sintáctica e ironía parecen llevarle cerca del modernismo de Stravinsky.
Hijo de Alessandro Scarlatti, los primeros
pasos de Domenico en el mundo de la música estuvieron guiados por el ejemplo de
su progenitor; en este contexto cabe situar su temprana dedicación a la ópera,
género en el que su padre había conquistado una merecida fama. En 1719 recaló
en Lisboa, donde entró al servicio de la infanta María Bárbara de Braganza como
maestro de clave. El matrimonio de ésta en 1728 con el príncipe heredero
español Fernando llevó al compositor a Madrid, ciudad en la cual permaneció
hasta su muerte, dedicado preferentemente a la docencia (entre sus discípulos
se cuenta Antonio Soler) y a la composición de sonatas para clave y música
sacra.
No se ha podido confirmar que Scarlatti se
educara junto a los compositores Gaetano Greco, Francesco Gasparini y Bernardo
Pasquini, como durante mucho tiempo se mantuvo. Cabe suponer, sin embargo, que
se formó como músico al lado de su padre, y otros miembros de su familia: sus
tías, cantantes de profesión; Tomasso, su tío tenor, o su hermano Pietro
Filippo, también compositor. En septiembre de 1701 fue nombrado segundo
organista y compositor de la Capilla Real de Nápoles, donde su progenitor
estaba empleado como maestro.
En 1703 Domenico Scarlatti escribió en Nápoles
su primera ópera, L'Ottavia ristituita al trono, que fue dedicada a la
condesa de San Esteban de Gormaz. Meses después, en ese mismo año, compuso el
drama Giustino, destinado al palacio real de Nápoles con motivo del
cumpleaños de Felipe V y dedicado al virrey del reino, el marqués de Villena.
Un año más tarde readaptó la ópera de Pollarolo L'Irene y la dedicó a
Antonio López Pacheco Girón y Portocarrero. En 1705 su padre le recomendó que
acompañara al célebre castrato Nicolo Grimaldi a Venecia y a otras
ciudades de Italia.
Ya por aquel entonces Alessandro comprendió
que el gran potencial creador de su hijo debía empezar a templar sus armas
alejado de la acogedora férula familiar. Prácticamente nada se conoce de los
cuatro años que Domenico Scarlatti pasó en Venecia junto a Nicolo Grimaldi y su
compañía. En 1709 fue contratado para servir a la reina viuda de Polonia María
Casimira, exiliada en Roma. Para su pequeña corte Scarlatti llegó a escribir
una cantata, un oratorio y al menos siete óperas –conocidas–, entre las que se
encuentran los títulos La Silvia (1710), Tolomeo e
Alessandro (1711), Tetide in Sciro (1712) y Amor d'un
ombra, e gelosia d'un'aura (1714). En la ciudad eterna fue nombrado
maestro de capilla de la basílica Giulia y, algún tiempo después, pasó a
trabajar para el embajador de Portugal en el Vaticano, el marqués de Fontes.
Aunque no está debidamente documentado y
contrastado, se cree que fue en esa época cuando tuvo lugar el mítico
enfrentamiento musical entre Scarlatti y Haendel; el primero fue declarado
ganador en el clave, y el segundo, en el órgano. Tras una temporada de trabajo
en el Teatro Italiano de Londres, pudo en 1719 viajar a Lisboa gracias a su
relación con el mentado embajador portugués, e ingresar como director en la
Capilla Real portuguesa. Allí permaneció protegido por el monarca Juan V y fue
maestro de música de la princesa María Bárbara de Braganza. En el ínterin
realizó un viaje a Nápoles (1725) y otro a Roma (1728), donde contrajo
matrimonio con Maria Gentili, con la que tuvo cinco hijos.
La obra de Domenico Scarlatti
Scarlatti es una figura fundamental en el ámbito de la música para
clavicémbalo. Fue, en efecto, el primero que estableció una técnica
definitivamente adecuada a la naturaleza del instrumento, anteriormente
sometido a las exigencias propias del órgano. Su estilo brillante da paso ya,
hasta cierto punto, al vasto imperio del futuro piano. En sus sonatas para
clavicémbalo sigue la feliz inspiración de su fantasía, lo cual no impide la
aparición de ciertos matices más profundos y melancólicos. Si inconfundible
resulta el ritmo propio de Scarlatti, como claramente se manifiesta a través de
sus más de quinientas sonatas, no menos interesante es la armonía, con
frecuencia establecida sobre audaces combinaciones de acordes, cuyas
disonancias confirman el genio revolucionario del compositor.
La música que Scarlatti compuso en su etapa italiana muestra corrección y
profesionalidad (por ejemplo, en sus óperas), pero no alcanza el milagroso
estado creativo de la mayoría de las sonatas. De su música religiosa destacan
especialmente la conocida comoMisa de Madrid, de fecha incierta, en la que el autor demuestra su capacidad
para la melodía y, a la vez, una gran maestría y un excelente conocimiento de
la polifonía del siglo XVI, y el Stabat
Mater, acaso posterior a la misa, también de límpida estructura
polifónica, tratada con una gran riqueza armónica.
En cuanto a las sonatas para clave, en 1783 se realizó en Londres una
primera edición de sus piezas bajo el título Essercizi per gravicembalo;
este conjunto comprende un total de 29 sonatas y una fuga, conocida como “fuga
del gato”. La colección había sido concebida por Scarlatti en señal de
agradecimiento a Juan V de Portugal por haberlo nombrado caballero de la Orden
de Santiago. Por su parte, las fuentes venecianas están formadas por quince
volúmenes (copiados entre 1742 y 1757 y adquiridos por la Biblioteca Marciana
de Venecia en 1835) que contienen 496 sonatas. Los documentos del Conservatorio
de Parma contienen 463 sonatas, doce de las cuales no están incluidas en los
libros venecianos. En Múnich existen otras tres sonatas únicas; el Museo
Británico de Londres conserva también tres originales, y hay dos más en
Cambridge (Gran Bretaña), dos en Turín (Italia), etc.
Su obra musical se divide en 3 etapas:
La primera abarca de 1701 a 1719. En Italia Sacarlatti logra ser
reconocido como compositor de óperas, con un total de 15 obras durante su
estancia en Nápoles, Florencia, Venecia y Roma.
La segunda etapa fue su etapa portuguesa de 1719 a 1729, se
traslada a la corte de de Lisboa, donde fundamentalmente se cultiva la música
religiosa, que acompañaba a ceremonias reales y de iglesia. Escribe varios
salmos y cantatas. Destaca entre su producción de esta época, el Stabat Mater
para voces y órgano.
En su tercer etapa en España, se 1729 hasta su muerte en 1757, en donde
sin duda realiza su obra maestra, la colección de Sonatas para clave, llenas de
serenidad y fantasía, desarrolladas en un estilo magistral, sin perder por
ello, la sencillez. De acuerdo al registro de Ralph Kirkpatrick, Scarlatti
compuso 555 sonatas.
1.- La Missa Quatuor Vocum, en Sol menor, para cuarteto de
solistas y coro a capella, también conocida como Misa de Madrid. Se ignora el
por qué o para quién fue escrita.
2.- La Misa en Re Mayor, para solistas, coro y orquesta –dos
oboes, dos trompas, timbales, dos violines y órgano–, compuesta en 17 54 y
descubierta en el monasterio de Arantzazu.
3.- La Misa Breve “La Stella”, para solistas, dos coros y órgano,
escrita posiblemente en 1708.
CARL PHILIPP EMANUEL BACH, OBRAS Y ESTILO
Está considerado uno de los fundadores del estilo clásico y uno de los
compositores más importantes del periodo galante, aparte de ser el último gran maestro del clave
hasta el siglo XX.
Carl Philipp Emanuel dijo que en la composición y en la interpretación pianística no he tenido nunca
otro profesor que mi padre (Johann Sebastián Bach).Probablemente
sea el primer compositor eminente que usó libremente el color armónico,
valorándolo por sí mismo, desde los tiempos de Orlando di Lasso, Monteverdi y Gesualdo. Representa un pionero de la obra de la Primera Escuela de
Viena, de estilo clásico.
Nació el 8 de marzo de 1714 en Weimar.
Quinto de los siete hijos de J. S. Bach y Maria Barbara
Bach. Georg Philip Telemann fue su padrino.
Recibió de su padre educación musical. Cursó estudios de Filosofía y Derecho en las universidades de Leipzig y Frankfurt-an-der-Oder antes de dedicarse exclusivamente a la música. Entre 1740 y 1768 fue cembalista en la corte de Federico II, rey de Prusia, y más tarde director musical de las cinco iglesias más importantes de Hamburgo.
Uno de los compositores representativos del empfindsamer Stil alemán que ponía de relieve contrastes emocionales y anticipó rasgos representativos del estilo clásico. Su Ensayo sobre el verdadero arte de tocar instrumentos de tecla (dos volúmenes, 1753-1762) es un importante tratado que nos muestra la técnica y forma de tocar durante el periodo barroco (las notas escritas en las partituras no siempre indican todo lo que el compositor pretendía).
La obra de Bach es extensa e incluye 210 piezas para clave, 52 conciertos, varios oratorios, pasiones y cantatas religiosas.
Carl Philipp Emanuel Bach falleció en Hamburgo el 14 de diciembre de 1788.
Obras
Concierto para dos clavicordios en Fa, Wq. 46 (1740)
Seis sonatas prusianas (Preussische Sonaten, 1742)
Seis sonatas Wurtemberg (Württembergische Sonaten, 1744)
Magníficat (1749)
Cinco Sinfonías de Berlín, H 649, 50, 53, 54 y 56. (1755 - 1762)
Cantata de Pascua (1756)
Serie Mit veränderten Reprisen (1760-1768) y Sonaten für Kenner und Liebhaber
Fantasía para clavicémbalo y acompañamiento.
Dos Conciertos para oboe: en Si bemol, Wq. 164, y en Mi bemol, Wq. 165 (1765)
Die Israeliten in der Wüste (Los israelitas en el desierto) (1769)
Die letzen Leiden des Erlösers (Los últimos padecimientos del Salvador) (1770)
Conciertos para clavicordio, Wq. 43/1-6 (1771)
Seis Sinfonías de Hamburgo, H 657-62 (Wq. 182/1-6) (1773)
Selma, H 739 (Wq. 236) (1775)
Concierto en mi bemol para clave, pianoforte y orquesta, H 479 (Wq 47) (1788)
Cuarteto en la menor para flauta, viola, chelo y clave, n.º 1, H 537 (Wq 93), Siciliano (1788)
Recibió de su padre educación musical. Cursó estudios de Filosofía y Derecho en las universidades de Leipzig y Frankfurt-an-der-Oder antes de dedicarse exclusivamente a la música. Entre 1740 y 1768 fue cembalista en la corte de Federico II, rey de Prusia, y más tarde director musical de las cinco iglesias más importantes de Hamburgo.
Uno de los compositores representativos del empfindsamer Stil alemán que ponía de relieve contrastes emocionales y anticipó rasgos representativos del estilo clásico. Su Ensayo sobre el verdadero arte de tocar instrumentos de tecla (dos volúmenes, 1753-1762) es un importante tratado que nos muestra la técnica y forma de tocar durante el periodo barroco (las notas escritas en las partituras no siempre indican todo lo que el compositor pretendía).
La obra de Bach es extensa e incluye 210 piezas para clave, 52 conciertos, varios oratorios, pasiones y cantatas religiosas.
Carl Philipp Emanuel Bach falleció en Hamburgo el 14 de diciembre de 1788.
Obras
Concierto para dos clavicordios en Fa, Wq. 46 (1740)
Seis sonatas prusianas (Preussische Sonaten, 1742)
Seis sonatas Wurtemberg (Württembergische Sonaten, 1744)
Magníficat (1749)
Cinco Sinfonías de Berlín, H 649, 50, 53, 54 y 56. (1755 - 1762)
Cantata de Pascua (1756)
Serie Mit veränderten Reprisen (1760-1768) y Sonaten für Kenner und Liebhaber
Fantasía para clavicémbalo y acompañamiento.
Dos Conciertos para oboe: en Si bemol, Wq. 164, y en Mi bemol, Wq. 165 (1765)
Die Israeliten in der Wüste (Los israelitas en el desierto) (1769)
Die letzen Leiden des Erlösers (Los últimos padecimientos del Salvador) (1770)
Conciertos para clavicordio, Wq. 43/1-6 (1771)
Seis Sinfonías de Hamburgo, H 657-62 (Wq. 182/1-6) (1773)
Selma, H 739 (Wq. 236) (1775)
Concierto en mi bemol para clave, pianoforte y orquesta, H 479 (Wq 47) (1788)
Cuarteto en la menor para flauta, viola, chelo y clave, n.º 1, H 537 (Wq 93), Siciliano (1788)
Compositor alemán, teclista, y
escritor de música, segundo hijo de JS y Maria Barbara Bach. Su infancia
transcurrió en Köthen y Leipzig, donde su padre fue su principal
maestro. En Leipzig asistió a la Thomasschule, y en 1731 se matriculó en
Derecho en la Universidad de Leipzig. Él cambió al programa de derecho en
la Universidad de Frankfurt an der Oder en 1734. En 1738 recibió una
citación de Frederick , entonces príncipe heredero de Prusia, para servir
como músico de cámara en su corte en Rheinsberg. Después de la adhesión de
Frederick al trono en 1740, cuando la corte se trasladó a Berlín, Bach tenía
contacto frecuente con JJ Queantz , Carl Heinrich Graun y su
hermano Johann Gottlieb Graun, Franza Benda y su hermano Georg
Brenda y figuras literarias como Ramler y Lessing . Bach publicó
varias series pioneras de obras para teclado durante este período, incluyendo
el prusiano Sonatas Wq. 48 (1743), el Württemberg Sonatas Wq. 49
(1744), y más tarde las Sonatas con variado repite Wq. 50
(1760). Frederick, sin embargo, mostró poco entusiasmo por su música. Bach
fue muy mal pagadas en la corte, y al final de los siete años de guerra (1763)
comenzó a buscar empleo en otros lugares, y en 1767 fue nombrado
Telemann's reemplazo en Hamburgo. Allí asumió cargos como director musical
de cinco iglesias y como Kantor en el Johanneum, permaneció en la ciudad
durante el resto de su vida.Casi todos sus sagrados fechas de música vocal de
estos años, incluyendo los oratorios Die Israeliten in der Wüste (1769), Die Leiden des letzten Erlösers (1770)
y Die Auferstehung und Himmelfahrt
Jesu (1777-1780). También de este periodo son las diez
sinfonías Wq. 182-83 y las seis sonatas, rondós y fantasías "für
Kenner und Liebhaber" Wq. 55-59, 61.
Sonatas de Eugene Helm incluye
cerca de 900 obras, el centro de la obra es el teclado. Más de 350 obras
para teclado solista: sonatas, fantasías, rondós, variaciones,
fugas. También se incluye casi 100 conciertos o sonatinas, unas cincuenta
obras de cámara con obbligato teclado, 70 sonatas para trío, veinte sinfonías,
cerca de 100 canciones en solitario, y más de 100 obras corales. Bach fue
el autor del único tratado más importante de la época, Versuch über die wahre Art das Clavier zu
spielen, 2 vols. (Berlín, 1753-1762).
ESTRUCTURA DE LA SINFONÍA PRECLÁSICA.
ORIGEN ESTRUCTURAL DE LA SINFONÍA PRECLÁSICA:
El desarrollo estructural de la sonata preclásica como el de la sinfonía representa el esfuerzo de los compositores por encontrar una forma que se adaptara a la música instrumental de cualquier combinación de instrumentos: dúo, trío, cuarteto, concerto, obertura, etc.
Fueron diversos los orígenes de la sinfonía de concierto. El precursor más importante parece haber sido el Concierto para ripieno, que a pesar de su nombre no contenían partes a solo y estaban instrumentadas para orquesta de cuerda más continuo. A partir de los “Concierti mitsicali” op 6 de GIUSEPPE TORELLI, los conciertos ripieno solían usar el tipo formal de las primeras sinfonías: rápido- lento- rápido (ob. Italiana), éste último una danza binaria o un movimiento relacionada con la danza.
Las fuentes principales de los orígenes de la estructura bipartita dentro de la sinfonía fueron probablemente, de manera sucesiva:*La sonata a solo y la sonata en trío del Barroco tardío*Los movimientos más extensos de diversos tipos de suite.*Los primeros movimientos binarios de algunas de las primeras oberturas.
El género
sinfonía, tal y como se la conocerá a partir del clasicismo, nacerá cuando la
obertura se libere de su función (introducir una ópera o un Oratorio) y se
ejecute en concierto como obra independiente. No obstante, durante todo el
siglo XVIII persiste la confusión entre los términos sinfonía y obertura, que
son empleados indistintamente.
LA ORQUESTA DE MANNHEIM BAJO LA DIRECCIÓN DE J.VACLAV STAMITZ
Fundador de la
Escuela de Mannheim
J. Vaclav
Stamitz considerado como uno de los más destacados creadores del estilo
instrumental moderno, a quien se debió el desarrollo y rápido florecimiento de
la «Orquesta del Palacio de Mannheim», convirtiéndose en una de las más
reputadas orquestas sinfónicas de Europa.
A pesar de
todas sus innovaciones, lo que más se valoró en la orquesta de
Mannheim fue su nivel interpretativo. Posiblemente este virtuosismo orquestal
iba ligado al hecho que Johann acostumbraba a dirigir la orquesta desde el concertino,
mientras que la costumbre habitual en la época era dirigir desde
el clavecín.
Stamitz llegó a dotar a la orquesta de Mannheim de cuatro flautas, dos
oboes, dos fagotes, diez violines primeros y diez segundos, cuatro violas,
cuatro violonchelos y dos contrabajos. Además, contaba con cuatro trompas, doce
trompetistas y dos tamboriles. Desde mediados de siglo, como innovación
sensacional, incluyó clarinetes.
Perteneció a una célebre familia de músicos checos, que ejercieron gran
influencia en la evolución del genero SINFONIA en el siglo
XVIII. Stamitz casó el 1 de julio de 1744 con María Antonia Luneborn. Tuvieron
cinco hijos: Carl Phillip, Francisco, Anton Thadaus Nepomuk y dos niños que
murieron en la infancia.
Los miembros más destacados de esta familia (a la que se conoce también
con la forma alemana de su apellido Steinmetz), fueron: Anton Thaddäus
(1721-1768), violonchelista y compositor hermano de Johann Wenzel; se
ordenó sacerdote y llegó a ocupar elevadas dignidades.
Carl (1745-1801), hijo, violinista de la famosa orquesta de Mannheim;
viajó aParis en 1754 y visitó como concertista, los principales países de
Europa. Compositor de óperas, (Der
Verliebte, Vormund y Dardanus), 70 sinfonías, numerosos
cuartetos, tríos y otras obras musicales y su otro
hijo Anton (1754-1809), quien compuso y publicó sinfonías, conciertos
para piano, para violin y para cello.
Destacó, ya muy joven como excelente violinista y fue músico de
cámara del Príncipe Elector del Palatinado. Stamitz viajó a París, donde
permaneció durante un año, triunfó y alcanzó renombre, allí incluyó la
realización por primera vez de un Concierto Espiritual el 8 de septiembre de
1754. Regresó a Mannheim en el otoño de 1755, y falleció dos años más
tarde. Su certificado de defunción dice lo siguiente:
30 de marzo de 1757. Enterrado, Jo'es Stainmiz, director de música de la
corte. Será difícil encontrar otro tan experto en su arte.
Está considerado como uno de los más destacados
creadores del estilo instrumental moderno, a quien se debió el desarrollo y
rápido florecimiento de la «Orquesta del Palacio de Mannheim», convirtiéndose
en una de las más reputadas orquestas
sinfónicas de Europa.
Junto con el compositor de música de
cámara Franz
Xaver Richter abordó el problema de la reforma del estilo
instrumental, reforma que adoptaron casi inmediatamente grandes músicos comoJohann
Christian Bach, Boccherini y otros, a la vez que la secundaban los
grandes centros musicales de la época: Londres y París. Mozart y Haydn hicieron
cambios en la estructura de la orquesta: la introducción de dos clarinetes por
influencia de Johann Stamitz tras haber visto la Orquesta de Mannheim
A pesar de todas sus innovaciones, lo que más se
valoró en la orquesta de Mannheim fue su nivel interpretativo.
Posiblemente este virtuosismo orquestal iba ligado al hecho que Johann
acostumbraba a dirigir la orquesta desde el concertino, mientras que la costumbre habitual en la
época era dirigir desde el clavecín.
Composiciones
Johann Stamitz tiene también gran importancia como
compositor. Fue uno de los primeros compositores en componer sistemáticamente
sinfonías en 4 movimientos, añadiendo el minuet y trio a los 3
movimientos habituales. También es habitual la introducción de los clarinetes
en la sinfonía, un tratamiento más melódico de la viola e incipientes
intentos de unir los instrumentos de madera con la cuerda. Destaca también la
introducción de un segundo grupo de material temático contrastando en el primer
movimiento de la sinfonía, que fue decisivo para el desarrollo de lo que se
conoce como forma sonata. Como las óperas italianas, las composiciones de Stamitz
tienen un fuerte sentido de unidad rítmica y material temático distintivo en la
exposición.
A pesar
de que su vida fue bastante breve (40 años), su producción fue extensa y de
calidad. Entre sus obras se pueden citar sinfonías, conciertos para violín,
sonatas para violín y para este instrumento y piano, una sonata en trío y
muchas otras obras. También fue un autor de los mas reconocidos en el
Clasicismo periodo que abarca desde el 1730 al 1820.
los artistas más destacados
se hallaban en los centros de Berlín y Mannheim. en el primero se distinguieron
dos de los más brillantes hijos de Bach, Wilhelm Friedeman y Carl Philipp
Emmanuel - su hermano Johann Christian vivía su triunfo en londres - , además
de Johann Joachim Quantz (1697-1773) y los hermanos Benda. Mientras que en
Mannheim encontramos los nombres de Johann Stamitz (1717-1757) y su hijo Carl
Stamitz (1745-1801), Chistian Cannabich (1703-1798).
Todos estos maestros, que
de un modo u otro facilitaron el camino a Joseph Haydn y Wolfgan Amadeus
Mozart, elaboraron y maduraron las formas de la sinfonía y la sonata -con el
primer movimiento en forma-sonata, consolidada durante el clasicismo- , además
de ampliar el sentido tímbrico orquestal y de introducir una gama seperior de
dinámicas -al respecto, fue famoso el crescendo de la orquesta de Mannheim- ,
elementos que confirieron mayor expresión a la música, cosa consustancial a esa
nueva corriente musical, melancólica e intimista, en la cual abundan las
composiciones en tonalidad menor, un recurso armónico que otorga a la música un
tinte denso y dramático. Son reveladoras de un tiempo y de una forma de pensar
-y de sentir- las palabras escritas por Carl Philipp Emmanuel Bach en su Ensayo sobre el verdadero arte de tocar el
clave(1753),
en que aconseja, para interpretar alguna de sus partituras, "tocar lo más
triste y lento posible.
LA ÓPERA. ESTILOS Y
COMPOSITORES EN ITALIA, ALEMANIA Y FRANCIA.
La ópera nace en Italia a finales del siglo XVI y
comienzos del XVII. Entre sus precedentes están los numerosos madrigales
italianos de la época, a cuyas escenas con diálogos, pero sin acción teatral, se pondría música. Otros antecedentes son los melodramas, ballets de
cour, intermedios y otros espectáculos galantes y de salón propios del renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a un grupo de músicos y estudiosos que se denominaban a sí
mismos camerata (en italiano, salón
o cámara pequeña). La camerata
tenía dos objetivos: revivir el
estilo musical del drama de la antigua Grecia y desarrollar una vía distinta al estilo
sobrecargado del contrapunto propio de la música renacentista tardía
Difucion de las operas:
A finales del siglo XVII y comienzos del XVIII el estilo alemán de ópera se consideraba inferior respecto a la ópera italiana. El centro operístico más importante de Alemania era Hamburgo, donde se inauguró un teatro de ópera en 1678. Reinhard Keiser compuso más de 100 obras allí. Después de la muerte de Keiser, los compositores y cantantes italianos dominaron todos los teatros de ópera de Alemania. La ópera italiana también era muy popular en Inglaterra. A pesar de ello, se solían interpretar con frecuencia dos óperas escritas por compositores ingleses, Venus y Adonis (c. 1682) de John Blow, y Dido y Eneas (1689) de Henry Purcell. Estas obras eran el germen del espectáculo galante inglés para la escena, la mascarada. Incorporaba elementos franceses e italianos, como las partes instrumentales de Lully y los recitativos y arias de los italianos. El compositor alemán Georg Friedrich Händel obtuvo sus mayores éxitos en Inglaterra.
Francia, Alemania e Italia desarrollaron unos estilos operísticos característicos durante el siglo XIX. Estas obras reflejaban el movimiento romántico y sus ideales estéticos. París fue el lugar de nacimiento de la grand opéra, una espectacular combinación de representación escénica, acción, ballet y música, gran parte de ella escrita por compositores extranjeros que se establecieron en Francia. Entre los primeros ejemplos encontramos La vestale (1807) de Gasparo Spontini, y Lodoïska (1791) de Luigi Cherubini, ambos italianos; y Masaniello, o La muda de Portici (1822) de Daniel Auber. Este estilo culminó con las enormes obras del compositor berlinés, Giacomo Meyerbeer, como Robert le diable (1831) y Los hugonotes (1836). La ópera auténticamente francesa Los troyanos (1856-1859) de Hector Berlioz, con una puesta en escena de los relatos de la guerra de Troya y de Dino y Eneas, fue ignorada durante mucho tiempo en su propio país.
Tipos de ópera:
·
Gran Ópera: Son las que reúnen todos los elementos teatrales como
ballet, decorados y grandes masas de gente. Se divide en tres,cuatro o cinco
actos, y estos a su vez se dividen es escenas.
·
Ópera Cómica: No necesariamente es de tema gracioso, sino lo
característico es que se alternan trozos cantados con trozos recitados o
hablados como la Zarzuela o el “Singspiel” alemán.
·
Ópera Bufa: De trama jocosa.
·
Ópera de Cámara: Intervienen pocos personajes y se representa en salones
pequeños.Extensión reducida.
·
Drama Lírico: Es una composición teatral en la que texto y música son de
igual importancia artística quedando fundidas en un todo. Se enlazan las
escenas entre si,formando un acto continuo e independiente mediante la
utilización,en el caso de Wagner, del “leit - motiv”.
·
Zarzuela: Obra lírica típicamente española en las que se alternan
fragmentos cantados y hablados con raíces y aires populares.
·
Otros: Sainete Lírico.
Pese al triunfo que obtuvo la ópera cómica,
gran número de compositores siguieron mostrando sus preferencias hacia
argumentos de corte serio para sus óperas, y la figura de Glluck revitalizó un
género que ahora adoptaba una forma alejada de los postulados internos que
regian las óperas metastasianas.
Christtoph Willibald Gluck
recibió una sólida formación musical en Viena, ampliando posteriormente sus
estudios en Milán, gracias al apoyo del Príncipe Melzi. En la capital lombarda
ofrecería en 1741 su primer título operístico, ARTASERSE, que ya denotaba una
mayor sobriedad de lenguaje con respecto a otros autores del momento. Tras
viajar a Inglaterra y Dinamarca, Gluck retornó en 1750 a Viena, donde desposó a
Maria Ana Bergín, joven de buena situación social, lo cual le permitió vivir
sin dificultades económicas.
Gluck apostó por la sobriedad
en el tratamiento de las voces. Descartó todos los ornamentos que restaran naturalidad
al canto y otorgó mayor flexibilidad a la música al prescindir de los ritornelli orquestales y
del da capo en las
arias. Por encima de todo, tales modificaciones buscaban extraer el máximo
dramatismo del libreto. Éste desempeña un papel trascendental en las óperas de Gluck: el texto debe tener concisión y sentido teatral.
En esta línea, la ornamentación vocal sólo tenía sentido dentro de una
situación dramática concreta y las intervenciones del coro resultaban
primordiales para otorgar majestuosidad. Profundo conocedor de los avances
logrados por la Escuela de Mannheim en la evolución de la orquesta, Gluck optó
por la utilización de las cuatro secciones de cuerda y por otorgar una especial
relevancia a los instrumentos de viento, en especial el oboe, de forma
manifiesta ya desde Orfeo y
Eurídice.
2.- LA ERA CLÁSICA.
GENERALIDADES. PANORAMA HISTÓRICO.
FORMAS : SONATA, VARIACIONES, SINFONÍA, CONCIERTO, CUARTETO
DE CUERDAS, SINFONÍA CONCERTANTE, DIVERTIMENTO Y ESTILOS AFINES.
LA GÉNESIS DE LA SINFONÍA: Desde el período barroco, el término
sinfonia servia para denominar en numerosas ocaciones los pasajes
instrumentalespertenecientes a óperas, oratorios o incluso piezas para un
solo instrumento. Pero con el clasicismo este concepto adquirió un
sentido nuevo: pasó a significar una tipología de obras orquestales
integradaspor cuatro movimientos, el primero de ellos regido por los parámetros
de la forma sonata, al que seguian un movimiento lento, un minueto y postrer
movimiento rápido, si bien algunas zonas de Italia, el norte de Alemania
y Austria siguieron desarrollando el esquema de la sinfonia en tres
movimientos, según se usaba en las oberturas de ópera del momento. A partir de
1740, la corte del elector de Mannheim, merced al mecenazgo del duque Carl
Theodor, iba a erigirse en un centro musical de capital relevancia para el
desarrollo de las nuevas formas orquestales. La orquesta de la corte se hizo
famosa en toda Europa gracias a sus inovaciones en el terreno
instrumental, como, por ejemplo, el efectismo de la realización de los crescendi. Compositores como Johann
Stamitz se erigieron en los máximos protagonistas de un centro al que acudían
compositores de toda Europa y que fue clave para la constitución definitiva
de la sinfonía en cuatro movimientos. Por su influencia se abandonó el
característico bajo continúo del barroco: la gran formación
orquestal hacía irrelevante la dirección desde el clavicémbalo, por lo que
la figura del director de orquesta adquiría un nuevo protagonismo.
La sonata : es la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que
consta de tres o cuatro movimientos, constituida para uno o
dos instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres
movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban
tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.
En la
época barroca, el término sonata se
utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter
instrumental, por oposición a la cantata,
que incluía voces. Sin embargo, la sonata barroca no está definida por una
forma específica de su argumento musical.
La Sinfonía: La sinfonía es una sonata monumental para
la orquesta sinfónica clásica, donde cada instrumento es igualmente importante
que los demás.Por su variedad de timbres y texturas, la sinfonía es la forma
musical más importante. Haydn es el gran creador de la sinfonía y escribió 108
sinfonías catalogadas.Mozart escribió 41 y Beethoven 9. Los compositores del
romanticismo también escribieron sinfonías mucho más extensas y bestiales que
las de los clásicos introduciendo solistas e incluso coros.Como grandes
sinfonistas tenemos: Brahms, Bruckner y Mahler.
El concierto :es una obra compuesta para un instrumento solista (piano, violín,
clarinete, flauta, cello.etc.) con el acompañamiento de la orquesta.El solista
dialoga con la orquesta y éste tiene toda la importancia.Posteriormente con los
románticos, el solista no dialogará, sino que luchará de forma descomunal con
la orquesta. Las partes solistas de los conciertos suelen ser de una dificultad
enorme para el lucimiento del solista.
El cuarteto de cuerdas: es un conjunto musical de cuatro instrumentos de cuerda, usualmente dos violines, una viola y un violonchelo, o una pieza escrita para ser interpretada para dicho grupo. El cuarteto de cuerdas es ampliamente visto como una de las formas más importantes de música de cámara, teniendo en cuenta que muchos de los compositores renombrados a partir del siglo XVIII escribieron obras para cuarteto de cuerdas.
La Sinfonía concertante: es una forma musical que se originó en la época de la música clásica y es una mezcla de los géneros sinfonía y concierto.Es un concierto, porque tiene uno o más solistas (en el clasicismo musical normalmente más de uno.
Es una sinfonía
porque no pone particularmente al solista como centro de atención: la impresión
es más bien sinfónica en
conjunto, con algunas intervenciones de los solistas sin dominar directamente la orquesta.
LA MÚSICA DE CÁMARA: En el clasicismo, gracias sobre todo a la aportacion
de Haydn, se produce la difernciación entr obras escritas para un gran grupo
orquestal y las destinadas a un pequeño conjunto instrumental, que constituirán
la llamada música de cámara, entre la que
sobresale la destinada al cuarteto de cuerda. A caballo entre estas formas
aparecen la casacionen, serenatas y divertimentos, piezas escritas para un
reducido número de instrumentos cuyo carácter lúdico gozó de gran popularidad
en la Austria del XVIII.
LA REFORMA DE LA ÓPERA. WILLIBALD GLUCK.
Su principal aporte es la Reforma de la Opera: con las obras: Orfeo y Eurídice, estrenada en Viena el 5 de Octubre de 1762, Alceste (presentada en Viena, el 16 de Diciembre de 1767) y más tarde en 1770 con Paride ed Elena. Orfeo y Eurídice, fue revisada para cambiar la parte de Orfeo escrita originalmente para Castrato y adaptarla al tenor Joseph Legros(1730-1793) ante la negativa francesa de aceptar Castrati en la ópera, fue entonces presentada la nueva versión en París, el 2 de agosto de 1774. Su vasta producción dramática incluye óperas serias, cómicas, vaudevilles y ballets. Con su texto traducido al francés,Gluck agregó la Danza de las Furias (Final de la escena 1 del 2º.Acto), rescribió los recitativos; la Danza de los Espíritus Bienaventurados (Inicio de la escena 2ª. Del 2º.Acto)y la representación de los Campos Elíseos (2º. Acto) fueron también interpolados.
FRANZ J. HAYDN. OBRAS VOCALES E
INSTRUMENTALES,
Fue uno de los
compositores más importantes e influyentes en lo que concierne la música del
clasicismo junto con W.Mozart(desde 1750 hasta 1820); abarcó prácticamente todos
los géneros: vocales, instrumentales, religiosos y seglares.
Obras:
Misa Brebis en fa
mayor (1749)
Salve Regina en
mi mayor (1756)
Der Qrumme Tenfel
(el diablo cojuelo) (1762)
Numerosos valses,
alemandas y minuetos para bailar
Concierto para
cello nº 1 (1765)
Concierto para
trompeta (1796)
Cuarteto
Emperador, opus 76 nº 3 (himno de Austria-1797)
La creación
(oratorio-1798)
Las estaciones
(oratorio-1801)
Sinfonía nº 6
"Le Matin" (1764)
Sinfonía nº 7
"Le Midi" (1764)
Sinfonía nº 8
"Le Soir" (1764)
Sinfonía nº 26
"Lamentatione" (1768)
Sinfonía nº 45 "The Farewell" (1772)
Sinfonía nº 88 (1787)
OBRAS PARA VARITONOS Y OTROS INSTRUMENTOS
Vida de Bordone
Vida damoré baja
7dibertimendi
Haydn logró sintetizar durante la década de 1770 los lenguajes de lo
culto y lo popular, lo cómico y lo serio. Entre los elementos más importantes
del principio del clasicismo está la articulación de formas a gran escala y el
empleo de la modulación entre la tensión y el relajamiento, que cultivaron tanto
Haydn como Mozart. Si bien la interacción de forma y contenido implica una
variedad de proporciones tonales dentro de cada movimiento individual, algunos
elementos de la relación entre materia y tonalidad han dado lugar a la
aparición del término, a veces confuso, de forma sonata. Se trata en este caso
del desarrollo de la estructura binaria del barroco que puede verse, sobre
todo, en los primeros movimientos de las obras clásicas. El término
"principio de la sonata" describe de manera más adecuada un procedimiento
que refleja el lenguaje musical natural de la época y que podía fácilmente
combinarse con otros elementos como el rondó e incluso la fuga. El desarrollo
de los motivos de Haydn a partir de su material, suele contrastar con la vena
italianizante de la lírica de Mozart, incluso aunque las estructuras de sus
respectivas formas musicales se parezcan en lo superficial. La universalidad
alcanzada por Haydn se vio reforzada en su música por ciertos toques de
folclore, uno de los medios con los que pretendió responder a las expectativas
de su público. Sus doce Sinfonías de Londres (nº 93-104,
1791-1795) ilustran con efectividad el alcance de su estilo orquestal de la
madurez.
WOLFGANG AMADEUS MOZART
Johannes Chrysostomus
Wolfgangus Theophilus Mozart, mejor conocido sólo como Wolfgang Amadeus Mozart,
nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756 y murió en Viena, el 5 de diciembre
de 1791. Fue un compositor y pianista austriaco, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la
historia.
La obra de Mozart abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas composiciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, obras para piano, óperas y música vocal, logrando popularidad y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan sólo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. Durante su visita a Viena, en el año de 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas, así como su Réquiem.
La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo. A menudo realizaba interprertaciones como pianista, destacando en una competencia ante el Emperador con Muzio Clementi, el 24 de diciembre de 1781, y pronto se consolidó como el mejor intérprete de teclado en Viena. También prosperó como compositor y en 1782 completó la ópera El Rapto en el Serrallo (Die Entführung aus dem Serail, KV 384), que fue estrenada el 16 de julio de mismo año, obteniendo una enorme aclamación y, además, dio inicio al género operístico conocido como singspiel u ópera alemana, en un momento en que el idioma oficial para la ópera era el italiano. Poco a poco la obra fue interpretada a través de Europa y consolidó plenamente la reputación de Mozart como compositor. Cabe mencionar –sólo como anécdota– que el emperador José II comentó al final de la ópera: “Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas notas”, a lo que el compositor contestó: “Exactamente, ¿cuántas son menester”.
A pesar de que Mozart aún no lograba su madurez y profundidad definitiva, en esta obra se expresa quizá por primera vez la dimensión dramática que se aprecia en las posteriores óperas del compositor de Salzburgo. Esta ópera le dio a Mozart el mayor éxito teatral que conocería en vida.
Wolfgang Amadeus Mozart compuso 22 óperas en
diferentes géneros
musicales. Van desde las obras a pequeña escala
–derivadas de las que compuso en su juventud– a las óperas de mayor envergadura
de su madurez. Tres de las obras fueron abandonadas antes de terminar su
composición y no fueron representadas hasta muchos años después de la muerte de
su creador. Todas sus óperas de madurez son consideradas obras clásicas y
siempre forman parte del repertorio de los teatros de ópera de todo el mundo.
Missa brevis
La mayoría de las misas mozartianas fueron
compuestas para el culto ordinario, debiendo tener una duración que no
sobrepasara los cuarenta y cinco minutos. El propio autor se quejaba de tal
imposición en una carta dirigida al padre Martini, pero supo resolverla con
singular maestría, haciendo recitar rápidamente al coro en muchas ocasiones,
evitando repeticiones y deteniéndose, con inclusión de voces solistas o sin
ellas, en los momentos en que la palabra tiene un especial significado.
OBRA VOCAL Y CORAL
Aproximadamente una cuarta parte de la vasta
producción de Wolfgang Amadeus Mozart está constituida por obras vocales y
corales de diverso género y variada significación. El amplísimo ámbito de esta
parcela mozartiana abarca desde las más sublimes armonías, presentes en sus
misas y obras religiosas, hasta la broma llana y natural de los cánones para
diversas voces, compuestos en momentos de distensión y esparcimiento con
amigos, músicos y gentes de teatro.
Obras religiosas
Casi la totalidad de las obras para iglesia fue
compuesta por Mozart durante el período comprendido entre los años 1765 y
1780-81, es decir, mientras el músico estuvo al servicio del arzobispo de
Salzburgo. A partir de 1781, el Mozart maduro y libre no producirá más que tres
obras religiosas. Su música religiosa se nos muestra clara, directa,
espontánea, llena de humanidad, festiva, brillante, recogida y cálida. En ella
está anunciados de forma magistral el estilo severo, el contrapunto y el fugado
con el melodismo, la fluidez y expresividad de las escuelas italianas,
especialmente la napolitana, uy con los tiernos acentos populares y
tradicionales austríacos.
MÚSICA INSTRUMENTAL,
ESPECIALMENTE EL CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA.
LA ORQUESTA EN EL PERIODO CLÁSICO.
A principios
del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y
el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de
viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran
tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de
precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no
tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a la
música sacra -en la que doblaban las partes de contralto, tenor y bajo- y
a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue
utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía,
alejándose así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le
había encomendado en un principio.
Las trompas y
las trompetas pasaron a ocupar el papel de «pedales de la orquesta», con lo que
el bajo continuo vio disminuido su papel. De hecho, la desa parición del continuo
comenzó hacia 1760, aunque no fue totalmente abolido en la práctica musical
hasta finales del siglo XVIII. El órgano y el clave, como sustentadores del
desarrollo armónico, cumplieron, aún durante algún tiempo, un significativo
papel en la música sacra y en la realización del recitativo seco. El clave se
sobreentendía en la ejecución de la música sinfónica, sobre todo en la fase
temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la orquesta no asumían la
totalidad de las relaciones armónicas. El compositor actuaba como director
desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra
cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. Y desde
el clave dirigió sus últimas obras cuando, en 1791, se presentó en Londres.
Sólo la participación activa de los instrumentos de la orquesta hará
comprensible el discurso armónico, lo cual, unido a la nueva concepción del
lenguaje musical, acabará desterrando definitivamente el uso del bajo continuo.
Uno de los
instrumentos que tendrán una prodigiosa evolución a través de los diferentes
usos que de él se han hecho a lo largo de su historia, va a hacer su aparición
gradual a partir de 1750. Este instrumento fue el clarinete. Al parecer, la
ascendencia del clarinete se encuentra en la familia del chalumeau, grupo que
cuenta con varios instrumentos de diversos tipos y tamaños. El clarinete fue
empleado de manera intermitente en la primera mitad del siglo XVIll -se dice
que la primera mención de este instrumento en una partitura, concretamente en
una misa de Faber, data de 1720.Sin embargo, compositores como Haendel y Rameau
lo incluyeron en muy pocas obras. En cambio la renombrada Orquesta de Mannheim
lo convirtió en instrumento fijo, incorporando dos al conjunto hacia 1758. Pero
fue Mozart quien, a finales de siglo, abrió el camino a este instrumento.
TRANSICIÓN AL
ROMANTICISMO. PANORAMA HISTÓRICO.
ESCUELA DE PIANISTAS EN
LONDRES Y EN BOHEMIA.
¿Qué es
el romanticismo?
El romanticismo es un movimiento artístico e intelectual que se implanta a finales del s.XVIII. Surge en el Reino Unido aunque recibe el impulso final y se consolida como reacción en Alemania.
Nace como
reacción contra el neoclasicismo y los principios de la ilustración (contra la
fuerte imposición del racionalismo) y supone una exaltación de la libertad y de
lo que suponen una evasión. En otras palabras: romper con las
imposiciones.
Panorama Histórico
A finales del
siglo XVIII se produce en Europa una serie de acontecimientos revolucionarios
que marcan el inicio del nuevo orden social. La Revolución Industrial asentaba
los ideales liberales y significaba el auge burgués, la Americana creaba los
derechos individuales y la Francesa proclamaba la libertad, igualdad y
fraternidad de los pueblos.
Por lo que se
refiere al mundo de las ideas, es una época donde los pensadores comienzan a
minar las reglas y el concepto de la razón, tan utilizado durante años atrás.
Kant es quien se encargó de demostrar, a través de “Crítica a la razón pura”,
que el motor ilustrado ya no servía.
El Romanticismo
supuso el fin del orden clásico, sobre todo en la cuestión perspectivista.
Acabó con la Monarquía absoluta, con la razón y la regla. Creó un nueva escala
de valores donde predominaba el `yo' en detrimento de la realidad exterior. Se
produjo una supremacía de lo popular, lo que implicaba un rechazo del
Neoclasicismo (que abogaba por un estilo elitista). Se encuentra un fuerte
componente nacionalista en contra de las actitudes universalizantes de los
ilustrados. Por otro lado, la mayoría de los autores románticos reivindicaron
el Cristianismo frente al paganismo grecolatino.
Algunas características.
- Técnicamente se aparta de las reglas, busca el
movimiento y da al color un valor casi simbólico.
- Se plasman en primera instancia y como motor
principal, los sentimientos del autor.
- El romanticismo se manifiesta
ilustrando: Las ideas expresadas a través de la revolución
francesa: Libertad en todos los niveles (como la máxima expresión de
este movimiento) y nacionalismo. EL Valor del individuo.
- De acuerdo con estos ideales los románticos
vuelven a la edad media y se rebelan contra las imposiciones contemporáneas.
- Reacciona también contra la
industrialización
- Promueve la naturaleza, en paisajes y
animales.
- Promueve la búsqueda de lo divino
- Promueve lo exótico en el recuerdo de un
pasado glorioso y misterioso, desde Grecia hasta la edad media,
especialmente el gótico. Además, en una geografía expansiva donde se
incluyen el mundo desconocido de África del norte y el de las tierras
salvajes. Por consecuente en los ambientes y paisajes.
- La fantasía y, sobre todo el drama, con la
obsesión de la muerte, la noche y las ruinas. La descripción de
monstruos y criaturas anormales. Lugares y ambientes oscuros,
cementerios,...
- Es muy sobresaliente la inversión del orden de
la aproximación humana a la realidad. Si los neoclásicos condicionaban la
emoción a la realidad, los románticos condicionarán la realidad a la
emoción.
- El irracionalismo hace frente al culto a la
razón, principalmente sobre eso, la idea muy general de libertad y el
sentimentalismo se centran los temas del romanticismo.
Hay teorías que señalan una clara influencia del llamado
moviemiento Sturm und Drang en
los pensadores y artistas del periodo romántico y su transitivo
correspondiente.
LOS TRES PERÍODOS CREATIVOS DE BEETHOVEN: El musicólogo Wilhelm von Lenz fue el primero, en 1862, en dividir la
carrera musical de Beethoven en tres grandes etapas estilísticas, clasificación
ésta que se ha impuesto entre los estudiosos posteriores.
La primera de estas
etapas se prolonga hasta 1800, se caracteriza por la continuación del espíritu
clasico de Haydn y mozart, y da como mejores frutos obras como los dos
primeros conciertos para piano (1784-1795), los cuartetos de cuerda
opus, 18 (1798-1800), las diez primeras sonatas para piano, entre
ellas la celebérrima n´m. 8 -Patética- (1798), y el septimino Op,
20 (1800). Al final de esta primera época aparecen los primeros
síntomas de la sordera que tanto minaría su personalidad. En 1802, después
de una cura de reposo en la localidad de Heinlegenstadt, escribió un
estremecedor testamento en el que desvela su lucha titánica para superar
la depresión provocada por la enfermedad y seguir vivo y componiendo, con el
consiguiente rechazo de la idea del suicidio.
LAS OBRAS DE MADUREZ
(1802-1814): Beethoven reformo la estructura clásica de la
sinfonía, al sustituir el tradicional minueto por en scherzo, surgirían así
obras como la monumental SInfonia no. 3 Heroica(1805) , la dramática Sinfonía
no. 5(1808), o la sinfonía no. 6 Pastoral.
LA ORQUESTA DE BEETHOVEN
La función
que desempeñaron en el nuevo organismo siguió siendo la del tradicional
sostenimiento de la armonía y la de potenciar, en lo posible, la sonoridad
plena. Pero estos instrumentos, incluida la tuba, rudimentarios aún en esa
época, deberán esperar hasta mediados de siglo para encontrar su principal
desarrollo con la invención de los pistones, mecanismo que permitirá la
unificación general de la escala. Aunque Beethoven tuvo que luchar contra todos
estos escollos técnicos, sus aportaciones en el campo de la orquestación fueron
extraordinarias. Si bien su plantilla instrumental es bastante similar a la
utilizada por Mozart en su última época, aun cuando añadió trombones, flautín o
contrafagot en alguna de sus sinfonías y en la Novena amplió el grupo de la
percusión, su tratamiento de la orquesta, más enérgico e impetuoso, tiene otra
dimensión. Así mismo dará también a los instrumentos solistas del grupo de la
madera (flauta, oboe, clarinete o fagot) un valor expresivo todavía inédito;
las cuerdas adquirirán una fuerza dramática, un vigor de sonoridad insospechada
hasta entonces, oponiendo a este grupo el de la madera y el del metal hasta
alcanzar una intensidad de colorido y una acentuación rítmica completamente
originales.
ETAPAS ESTILÍSTICAS EN LA VIDA DE BEETHOVEN
Periodo de formación.
En su primer
periodo destacan sus primeras sonatas para piano y sus cuartetos, muy influidos
por las sonatas para violín y piano de Mozart, quien, junto a Neefe y Sterkel,
representa una de sus principales influencias en su obra de juventud. Dos de
sus sonatas para piano, la Patética de
1799 y Claro de Luna de
1801 representan innovaciones notorias en el lenguaje de la sonata pianística.
Otras obras destacables de este período son su primera sinfonía, que debe mucho
a la orquestación de las sinfonías londinenses de Haydn, las cantatas
compuestas con motivo del funeral del emperador José II en 1790 y las arias de
concierto Prüfung des Küssens, Mit Mädeln sich vertragen y Primo amore.
Sonata en C#
menor "Claro de luna", Op. 27 No. 14
(3 movimientos)
Aunque sus
composiciones entroncan con la tradición de Haydn y Mozart, ya a sorprenden por
un sello personal muy acusado: existe una energía física y moral que no tardará
en modificar las normas de la música del siglo XVIII. Los tiempos lentos
evolucionan paulatinamente, de un clima de melancolía y ternura afectuosa a una
experiencia del dolor cada vez más profunda; su ritmo disminuye hasta casi una
suspensión mortal de todo movimiento, y en el tránsito de la suavidad de los andante a la tristeza de los adagio y los lento van
descubriéndose poco a poco abismos de desesperación.
Cuando estos dos
elementos (la energía moral y el dolor humano) se contacano brotar de ellos el
drama del heroísmo beethoveniano: la Patética (Sonata
para piano en do menor, op. 13), con su arrogancia vehemente, constituye
el anticipo de lo que más adelante habrá de ser el segundo de los tres estilos
reconocidos en el arte de Beethoven. De momento, sin embargo, la fortaleza se
halla junto a la alegría, y la tristeza acompaña a la serenidad. Los dos
primeros conciertos para piano y orquesta, op. 15 (1797) y op.
19 (1800) fueron verdaderas tarjetas de visita del joven compositor
y virtuoso; el divertido Septimino,
op. 20 (1709) y el lied Adelaida tuvieron una
rápida popularidad.
Sonata para piano
en C menor "Patetica", Op. 13 No. 8
(3 movimientos)
Son también obras de este periodo los tríos de las op. 1(1795) y op. 11, la Serenata, op. 8 (1796) y los
tres tríos de la op. 9 (1797)
para cuerda; los seis cuartetos de la op. 18 (1799), las primeras cinco sonatas para violín, las
dos primeras para violoncelo, y, siempre algo anticipadas en la manifestación
de estados de ánimo excepcionales y en la elaboración de un nuevo léxico
musical, las doce primeras sonatas para piano; y, por último, la Sinfonía nº 1 en do mayor, op. 21.
La madurez
Hacia 1802, la fuerte crisis personal derivada de su sordera y las contrariedades sentimentales y físicas actuarían como catalizador de su arte: la energía que el genio puso en sus primeras composiciones encontraba ya un punto de aplicación, y las centellas que desprendía alumbraron el drama de la grandeza heroica beethoveniana, que integra la sustancia del segundo estilo o periodo de su obra.
Con ocasionales infidelidades, alteraciones e intentos de evasión
(la Sonata para piano en la bemol
mayor, op. 26; las dos Sonatas
en forma de improvisación, op. 27, y los recitados contenidos en el alegro de
la Sonata para piano, op. 31, n.º
2), el genio de Beethoven se identifica con la forma de sonata a lo
largo de todo este período central de su vida íntima que se manifiesta al
exterior en ideales de lucha y de rebelión contra el destino adverso. Cuando en
su alma renazca lentamente el equilibrio y quede superada la inquietud del
infortunio, el dualismo armónico de la forma de sonata se irá atenuando
paulatinamente, y, con un renacimiento del contrapunto, dará lugar a nuevas
tendencias musicales todavía envueltas en las nieblas del futuro.
Sonata para piano en Ab mayor, Op. 26 No. 12
(1ro. y 3er. movimientos)
El paso de la serenidad juvenil al crisol incandescente del segundo estilo
aparece anunciado por algunas obras de transición, como el tercer Concierto para piano, op. 37 en do menor (tonalidad
típica del dramatismo heroico de Beethoven), la Sinfonía n.º 2 y las sonatas para piano de los años 1801 y
1802. Luego se llega ya a la plenitud del "segundo estilo" con
las Sinfonía n.º 3 (llamada heroica) y la Sinfonía n.º 5. En este segundo
periodo, en que compuso la mayoría de su producción orquestal, Beethoven
reformó la estructura clásica de la sinfonía, al sustituir el tradicional
minueto por un scherzo, forma ésta que otorgaba mayor libertad creativa a los
compositores.
Sinfonia No. 3 en Eb mayor "Eroica", Op. 55
La Sinfonía n.º 4 refleja una momentánea pausa de serenidad,
lo mismo que el Concierto en re
mayor para violín y orquesta, op. 61, y el cuarto Concierto para piano. Pero la
intensidad característica del periodo se repite en numerosas obras: las
oberturas de Coriolano y Egmont, los tres Cuartetos "Rasumovsky", op. 59,
la Sonata a Kreutzer para violín
y piano, la Sonata, op. 30
n.º 2 en do menor, la tercera Sonata para violoncelo, op. 69 (1808), los Tríos, op. 70 (1808), la Sonata para piano, op. 53 (Aurora) y 57 (Appassionata), ambas de 1804, y
la ópera Fidelio, su única
incursión en el género operístico.
El argumento de Fidelio sigue
la tradición de las óperas de rescate del siglo XIX: una mujer que salva de la
muerte a su marido, prisionero de sus enemigos políticos. Basada en un drama de
J. N. Bouilly titulado Leonora o
el amor conyugal, la obra, con el título inicial de Leonore, fue estrenada con escaso
éxito en Viena en 1805; sometida luego a diversas revisiones, en su versión
definitiva se representaría por primera vez en el Kärntnertor-Theater de la
capital austriaca, en 1814. Con la Sinfonía
n.º 6(llamada Pastoral),
el gran incendio va extinguiéndose; quedan, indudablemente, algunos rescoldos
todavía, pero, en esencia, la gran crisis dramática del espíritu de Beethoven
se halla ya superada.
Opera "Fidelio
Sinfonía No. 6 en F, Op. 68, "Pastoral"
